El Louvre reúne, junto a la National Gallery de Londres y el Art Institute de Chicago, una selección de obras del pintor extremeño que reivindica su modernidad y su influencia en las vanguardias
Unos hábitos blancos, un fondo oscuro y una luz que cae sobre los pliegues de una tela. A Francisco de Zurbarán (1598-1664) le bastaban pocos elementos para construir algunas de las imágenes más poderosas de la pintura española del Siglo de Oro. El Museo del Louvre dedica al artista una gran exposición que permite recorrer su trayectoria y comprender por qué aquella pintura austera, concebida en buena medida para conventos e iglesias, terminó fascinando también a las vanguardias.. Abierta hasta el 25 de enero de 2027, la muestra es fruto de la colaboración entre el museo parisino, la National Gallery de Londres y el Art Institute de Chicago. La iniciativa llega casi cuatro décadas después de la última gran retrospectiva internacional del pintor, organizada por el Metropolitan Museum de Nueva York y el Grand Palais de París en 1987 y 1988.. El recorrido se articula en siete secciones y reúne obras de distintas etapas de su carrera. Las pinturas monumentales realizadas para instituciones religiosas andaluzas comparten espacio con retratos y naturalezas muertas, dos géneros que permiten apreciar la versatilidad de un artista habitualmente encasillado en su producción devocional. Zurbarán no necesitaba grandes artificios: su dominio del claroscuro, la rotundidad de los volúmenes y la precisión con que representaba los tejidos convertían los objetos más humildes en presencias casi físicas.. La exposición presta también atención a Juan de Zurbarán (1620-1649), hijo del pintor, cuya breve trayectoria merece un reconocimiento propio. El epílogo mira hacia los siglos XIX y XX para mostrar la huella del maestro extremeño en artistas como Édouard Manet, Pablo Picasso y Juan Gris.. Durante mucho tiempo, Zurbarán quedó asociado a una pintura severa, inseparable de la religiosidad de su época. La muestra parisina propone ampliar esa mirada: bajo la aparente sobriedad de sus composiciones hay un extraordinario sentido del color, una audacia formal y una modernidad que sigue interpelando al espectador.
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Unos hábitos blancos, un fondo oscuro y una luz que cae sobre los pliegues de una tela. A Francisco de Zurbarán (1598-1664) le bastaban pocos elementos para construir algunas de las imágenes más poderosas de la pintura española del Siglo de Oro. El Museo del Louvre dedica al artista una gran exposición que permite recorrer su trayectoria y comprender por qué aquella pintura austera, concebida en buena medida para conventos e iglesias, terminó fascinando también a las vanguardias.. Abierta hasta el 25 de enero de 2027, la muestra es fruto de la colaboración entre el museo parisino, la National Gallery de Londres y el Art Institute de Chicago. La iniciativa llega casi cuatro décadas después de la última gran retrospectiva internacional del pintor, organizada por el Metropolitan Museum de Nueva York y el Grand Palais de París en 1987 y 1988.. El recorrido se articula en siete secciones y reúne obras de distintas etapas de su carrera. Las pinturas monumentales realizadas para instituciones religiosas andaluzas comparten espacio con retratos y naturalezas muertas, dos géneros que permiten apreciar la versatilidad de un artista habitualmente encasillado en su producción devocional. Zurbarán no necesitaba grandes artificios: su dominio del claroscuro, la rotundidad de los volúmenes y la precisión con que representaba los tejidos convertían los objetos más humildes en presencias casi físicas.. La exposición presta también atención a Juan de Zurbarán (1620-1649), hijo del pintor, cuya breve trayectoria merece un reconocimiento propio. El epílogo mira hacia los siglos XIX y XX para mostrar la huella del maestro extremeño en artistas como Édouard Manet, Pablo Picasso y Juan Gris.. Durante mucho tiempo, Zurbarán quedó asociado a una pintura severa, inseparable de la religiosidad de su época. La muestra parisina propone ampliar esa mirada: bajo la aparente sobriedad de sus composiciones hay un extraordinario sentido del color, una audacia formal y una modernidad que sigue interpelando al espectador.
